Futurismo: En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados como musicales. El Manifiesto Técnico de la Música Futurista de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: «Presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad».
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto El arte de los ruidos (original en italiano, L'arte dei Rumori). En 1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.
Un ejemplo de un autor de música electrónica es Sonny Moore (Skrillex)
productor musical, músico y cantante estadounidense de EDM y ex vocalista y guitarrista de su primera banda atRisk entre 2001 a 20032 y actual vocalista de la banda de post-hardcore y metalcore From First to Last .
Y también Tim Bergling más conocido por su nombre artístico Avicii, fue un disc-jockey, productor y remezclador sueco.
Fue el creador de algunos éxitos de la última década tales como Wake Me Up, Hey Brother, Addicted to You, Broken Arrows, For a Better Day, Fade Into Darkness, The Days, The Nights, Waiting For Love, Seek Bromance, You Make Me y, en especial, Levels, que, a pesar de tardar nueve meses en ser reconocida, logró darle fama y éxito al DJ.
Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondes Martenot, el Theremin o el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Años después, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente, escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. En 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer "ruido" dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo, una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado en el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type.
